J’ai créé cette série de quatre illustrations au crayon autour d’une idée toute simple : nous avons parfois besoin de petites phrases qui nous accompagnent dans les moments où tout semble un peu plus compliqué.
Pas de grandes leçons. Pas de recette miracle. Juste des mots dans lesquels on peut se reconnaître, des mantras illustrés.
Cette série s’appelle Good Mood.

Le dessin comme espace pour prendre une pause

Le dessin a toujours été pour moi une manière d’observer, de questionner et de mettre des choses en images. Avec cette série, j’avais envie d’explorer quelque chose de plus intime : le rapport que nous entretenons avec nous-mêmes.
La santé mentale est aujourd’hui un sujet dont on parle davantage, et c’est une bonne chose. Mais derrière les grands mots, il y a aussi les petites choses du quotidien : la façon dont on se parle, la manière dont on accueille nos émotions, notre capacité à accepter nos fragilités ou simplement à continuer d’avancer lorsque nous traversons une période difficile.
Ces illustrations ne prétendent évidemment pas remplacer un accompagnement ou apporter une solution à un problème de santé mentale.
Elles sont plutôt pensées comme de petites parenthèses positives, à regarder, à offrir ou à garder près de soi.

1. « Je me relève et je suis plus forte qu’hier »

Cette première illustration parle de résilience. Parce qu’avancer ne signifie pas forcément aller vite. Parfois, avancer signifie simplement se relever. Une journée après l’autre. Cette phrase peut résonner différemment selon les personnes : après une période compliquée, un changement, un échec, une remise en question ou simplement une journée où l’on n’était pas au meilleur de sa forme.
L’idée n’est pas de nier ce qui a été difficile, mais de reconnaître le chemin déjà parcouru.

2. « Une version plus lumineuse de moi est toujours possible »

J’aime particulièrement cette phrase parce qu’elle ne parle pas de devenir quelqu’un d’autre. Elle parle plutôt de laisser de la place à une nouvelle version de soi. Nous changeons constamment. Nos envies évoluent, nos expériences nous transforment, notre regard sur nous-mêmes aussi. Et parfois, il suffit de se rappeler que la période que nous vivons aujourd’hui ne définit pas forcément celle qui viendra demain. Une autre version de nous est possible.

Plus libre. Plus sereine. Plus créative. Plus confiante. Ou simplement différente.

3. « Chaque pas compte, même les plus petits »

Celui-ci est probablement le plus simple des quatre. Et peut-être justement celui dont nous avons le plus souvent besoin. On se fixe facilement de grands objectifs et on peut avoir l’impression de ne pas avancer assez vite. Pourtant, un petit pas reste un pas. Créer quelque chose. Sortir prendre l’air. Envoyer un message. Reprendre un projet. Se reposer quand on en a besoin. Dire non. Dire oui.

Il n’y a pas toujours besoin de faire de grands changements pour commencer à bouger les choses.

4. « Ma sensibilité est une force, pas une faiblesse »

C’est sans doute la phrase la plus personnelle de cette série. Être sensible peut parfois être vécu comme une fragilité. Ressentir beaucoup, observer les détails, être touché par une image, une musique, une rencontre ou une situation peut donner l’impression d’être « trop ». Mais cette sensibilité peut aussi être une manière particulière de regarder le monde. Pour un artiste, elle est évidemment intimement liée à la création.

Voir, ressentir, transformer et créer.

C’est aussi ce que j’aime dans le dessin : prendre quelque chose de très personnel et essayer d’en faire une image dans laquelle quelqu’un d’autre pourra peut-être se reconnaître.

Quatre illustrations, quatre manières de se parler

Avec cette série Good Mood, j’avais envie de créer des images qui puissent trouver leur place dans le quotidien.

Sur un bureau.
Dans un carnet.
Accrochées au mur.
Ou simplement offertes à quelqu’un à qui ces quelques mots pourraient faire du bien.

Les quatre illustrations sont réalisées au crayon, avec cette approche graphique et spontanée que j’aime particulièrement : le trait visible, les nuances de gris, les lignes qui restent imparfaites et donnent au dessin son caractère. Parce que je ne cherche pas forcément la perfection dans mes portraits.

Je préfère laisser apparaître le geste, le mouvement et l’émotion.

Et vous, quelle phrase vous parle le plus ?

J’aimerais justement ouvrir la discussion autour de cette série.

Est-ce qu’il y en a une qui vous parle particulièrement ?

Ou peut-être avez-vous votre propre phrase, celle que vous aimeriez voir dessinée ? Vous pouvez me laisser un commentaire ou venir m’en parler sur Instagram. Vos retours m’intéressent aussi parce que cette série est appelée à devenir quelque chose de concret.

Bientôt disponibles en précommande

Je prépare actuellement une édition imprimée de ces 4 illustrations sous forme de cartes au format A5 (15x21cm). L’idée est de proposer les quatre illustrations ensemble dans un petit format facile à garder, à offrir ou à afficher.

La précommande sera bientôt ouverte.

Si vous êtes intéressé·e par le lot de 4 cartes (ou à l’unité selon votre préférence), vous pouvez dès maintenant me contacter pour me le faire savoir. Cela me permettra également de voir si cette petite collection vous plaît avant son lancement.

Pour être informé·e de la précommande ou simplement me dire que vous êtes intéressé·e, envoyez-moi un petit email

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The Notorious B.I.G. et 2Pac en font évidemment partie. Deux personnalités, deux univers, deux côtes des États-Unis et deux trajectoires qui continuent de fasciner plusieurs décennies plus tard. Pour cette série, j’ai choisi de ne pas simplement réaliser deux portraits. J’ai voulu transposer leur musique et leur univers dans une forme graphique inspirée d’une planche de bande dessinée.

Biggie, Brooklyn et l’East Coast / 2Pac, la Californie et la West Coast
Ce qui m’intéressait dans «Juicy», sorti en 1994, ce n’était pas simplement le morceau connu, c’était cette idée de raconter un parcours, une transformation, un passage d’un monde à un autre. Quant à «California Love», sorti en 1995 avec Dr. Dre, il accompagnait le retour de 2Pac après sa sortie de prison, et le morceau est devenu l’un des symboles de cette période West Coast et de son arrivée chez Death Row.

East Coast / West Coast : deux univers, une même histoire
Le titre « East Coast / West Coast » fait référence à cette opposition géographique et culturelle qui a marqué le hip-hop des années 90. Mais mon intention n’était pas de refaire cette rivalité. Ce qui m’intéressait était plutôt de mettre en regard deux artistes devenus des icônes, deux univers graphiques et deux manières de raconter une époque.

Transformer une chanson en image

J’écoute → je cherche → je sélectionne → je dessine → je compose.
Une chanson n’est pas illustrée littéralement, je prends plutôt :

1. une ambiance
2. une phrase ou une idée
3. un lieu
4. une époque
5. des symboles
6. une attitude
7. des références visuelles

et je les transforme en image.

De l’illustration au tirage d’art

Une illustration publiée sur Instagram peut être regardée quelques secondes avant de disparaître dans le fil. J’avais envie que ces deux images puissent prendre une autre place : être imprimées, encadrées, conservées et collectionnées. Ci-dessous les étapes du process de la planche réalisée à l’encre de Chine sur un papier aquarelle 300gr.

Une édition limitée accessible

Cette série est proposée en édition limitée à 50 exemplaires pour chaque illustration. Les deux planches peuvent être achetées séparément, ou réunies dans le Pack Duo East Coast / West Coast. Si vous pensez que ça pourrait vous intéresser, envoyez-moi un petit email

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1. Pourquoi miser sur les tirages d’art pour votre décoration intérieure ?

• Le choix des décorations murales définit l’atmosphère d’une pièce. Les affiches bas de gamme manquent souvent de relief et se décolorent avec le temps. À l’inverse, opter pour un tirage d’art sur papier texturé apporte instantanément une touche haut de gamme et chaleureuse à votre intérieur.
• Que vous aimiez l’effervescence du street-art new-yorkais ou la profondeur du surréalisme, intégrer une reproduction d’œuvre originale chez vous permet d’affirmer votre personnalité.

2. L’art de marier les genres : Frida, Dali et Basquiat

L’une des tendances déco majeures est le triptyque mural ou le mix de portraits d’artistes majeurs qui ont bousculé les codes :

• Frida Kahlo : symbole de résilience et de force, une illustration vibrante de la peintre mexicaine apporte une énergie bohème et engagée à une pièce à vivre.
• Salvador Dali : pour les amateurs de détails et d’onirisme, un portrait du maître du surréalisme insuffle une dimension intellectuelle et graphique unique.
• Jean-Michel Basquiat : incontournable pour insuffler l’énergie brute et contemporaine du street-art dans un salon moderne.

L’astuce déco : Associer ces trois figures au sein d’un même espace crée un dialogue artistique puissant entre surréalisme, art engagé et contre-culture. (Découvrez le pack collector Frida, Dali & Basquiat pour harmoniser votre mur en un clin d’œil).

3. Comment bien encadrer et mettre en valeur votre print ?

Pour qu’un tirage d’art révèle tout son potentiel, le choix de l’encadrement est crucial :

1. Le choix du papier : privilégiez toujours un papier d’art à grammage élevé (minimum 250g) avec un aspect texturé mat, qui absorbe les reflets de la lumière et imite la texture de la création originale.
2. Le passe-partout (clapet blanc) : il permet d’isoler l’illustration du verre et donne de la respiration à l’œuvre.
3. L’alignement : si vous créez un mur de cadres, alignez-les par le bas ou créez un bloc compact pour garder une cohérence visuelle propre.

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Techniques de peinture acrylique

• D’abord le pouring (coulée acrylique) : mélangez les peintures acryliques avec un médium pour des effets fluides et organiques. En versant les mélanges colorés sur la toile et en les inclinant, les artistes obtiennent des motifs abstraits et des compositions dynamiques.
• Ensuite, le dripping (goutte à goutte) : popularisée par des artistes tels que Jackson Pollock, cette technique consiste à laisser tomber ou projeter de la peinture acrylique sur la toile de manière spontanée et gestuelle. Le résultat ? Des compositions énergiques et expressives, captivant le regard par ses lignes et éclaboussures de couleur.
• Puis le collage mixte : associez la peinture acrylique à d’autres médiums comme le papier, le tissu ou des objets. cette approche offre une exploration créative infinie tant au niveau du visuel que du concept.
• Enfin, la peinture au couteau : utilisez des couteaux à peindre pour appliquer la peinture acrylique en créant une texture avec une gestuelle expressive. Créez ainsi, des effets de relief uniques.

Conseils pour une peinture acrylique contemporaine

• Libérez votre spontanéité : explorez de nouvelles techniques et laissez libre cours à votre intuition. L’art contemporain valorise l’originalité et l’audace.
• Travaillez en couches multiples : superposez les couleurs, textures et motifs pour des compositions complexes et dynamiques. Cela ajoute de la profondeur à votre œuvre.
• Soyez ouvert à l’imprévu : les accidents artistiques peuvent mener à des découvertes inattendues. Intégrez-les dans votre processus créatif.

En conclusion, la peinture acrylique contemporaine offre une liberté d’expression sans pareille. Elle possède une multitude de possibilités créatives. En explorant les techniques, en suivant votre inspiration et les surprises du processus artistique, vous pouvez créer des œuvres qui captivent !

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